JEFOPERA

Cougar oubliée

2012-01-29T02:46:00.000-08:00

En rangeant ce matin des documents sur mon PC, je retrouve un post que j'avais rédigé il y a tout juste un an ; puis je suis parti en Malaisie et l'ai oublié au fond d'un répertoire. Bon, en le relisant, je me dis que ce n'était pas bien grave : ce billet évoquait la quasi résurrection, à Carnegie Hall, d'un opéra oublié, visiblement assez soporifique, que personne n'entendra sans doute jamais plus et dont il n'existe aucun enregistrement. C'est sûr, ce n'est pas avec cela que j'allais faire le buzz.

Il y a donc un an, Leon Botstein, à la tête de l'American Symphony Orchestra, présenta au public new-yorkais une rareté du répertoire français, Bérénice d'Albéric Magnard. L'oeuvre était donnée en version de concert, dans le cadre d'un cycle sur "l'orientalisme dans la musique française". La mezzo Michaela Martens chantait le rôle de Bérénice et le baryton Brian Mulligan celui de Titus.

Depuis sa premère audition à l'Opéra-Comique en 1911, cet opéra n'avait été produit semble-t-il que deux fois, la première au Festival de Montpellier en 1990, la seconde à l'Opéra de Marseille en 2001.

Albéric Magnard était un personnage assez pittoresque. Misanthrope, vivant quasiment reclus, il éditait à compte d'auteur des partitions régulièrement démolies par une critique dont il se fichait totalement. Il composa peu, une petite vingtaine d'opus au total, et n'est guère aujourd'hui connu que pour ses symphonies, notamment sa quatrième qu'il dédia à une organisation féministe. Quand la première guerre éclata, il s'enferma chez lui, tira quelques coups de feu lorsque les soldats allemands approchèrent et se laissa périr dans l'incendie de sa maison, avec toutes ses partitions. Fin tragique et paradoxale pour ce fervent wagnérien.

Bérénice a été présentée à l'Opéra Comique en 1911 et ce fût un fiasco total.

Je ne vais pas raconter l'histoire qui est, à quelques détails prés, celle de la tragédie de Racine. Bérénice avait 52 ans -âge quasi canonique à l'époque- lorsqu'elle tomba amoureuse de son titi, qui en avait 14 de moins. Ce qui est rigolo dans l'opéra de Magnard, c'est que la tendre dame un peu défraichie de Racine se transforme en cougar enragée aux appétits insatiables. Elle griffe, crie, harcèle son amant et raconte au public ses scènes de lit d'une façon qui a dû quand même un peu choquer :

Quand sa lèvre à ma lèvre hume la volupté

Quand son mâle désir me pénètre et m'innonde

Je suis plus qu'une femme, plus qu'une reine

Je suis Vénus, Isis, l'amante bienheureuse

Sans doute peu sensibles à cet érotisme, les critiques descendirent en flammes l'opéra, rivalisant de formules caustiques, dans le genre "soupe orchestrale épaisse aux relents teutons, digne d'un Massenet peu inspiré infusé de prétention wagnérienne".

Quelques rares commentateurs ont quand même aimé Bérénice, tel Edouard Lalo, qui qualifia l'opéra "d'un des plus nobles ouvrages que notre musique aie produits ces dernières années", ce qui semble quand même un peu exagéré.

Un certain Gaston Garraud, auteur en 1923 de la première biographie d'Albéric Magnard, semble avoir été pris de délire à l'écoute de Bérénice, dans lequel il voit le "parfum indicible de la nuit romaine après un jour d'orage où les roses ont vécu plus vite, la lumière froide du matin où s'accuse l'évidence des devoirs, la morne grandeur du rivage d'Ostie par un soir de plomb et le rythme rude de quelques voix invisibles".

En dépit de cela, Bérénice n'a jamais été enregistrée, aucun extrait n'est disponible sur internet et les spectacles de Marseille et de Carnegie Hall n'ont pas été captés. Ils n'eurent de toute façon guère plus de succès que la première. S'il est de ce fait impossible de se rendre compte des qualités musicales de l'oeuvre, on peut essayer de l'imaginer en écoutant cet "Hymne à Vénus" composé par Magnard quelques années avant Bérénice. Comme il ne me donne pas vraiment envie de pousser plus loin la découverte, je me demande vraiment pourquoi j'ai écrit ce post.

Le tombeau de M. Leonhardt

2012-01-20T10:52:00.000-08:00

Après Alexis Weissenberg, Gustav Leonhardt. Peut-être est-ce en mémoire du bonheur que ces deux grands interprètes m'ont apporté que j'ai ressenti une vraie peine en apprenant leur décès, celui du second surtout. La disparition d'artistes aimés m'a toujours été, je n'ai pas honte de le reconnaître, plus douloureuse que celle de vagues connaissances, voisins, collègues ou parents éloignés, avec lesquels, au fond, aucune intimité ne s'est jamais créée.

La peine est d'autant plus forte que le lien s'est installé au cours de l'adolescence, période pendant laquelle, avec la découverte des oeuvres, naissaient de puissantes émotions. Je devais n'avoir que 15 ans lorsque j'ai acheté le 33 tours des Variations Goldberg.

Le lendemain, mes parents avaient invité des amis à souper, un couple de petite taille, plutôt sympathique bien que fort mal assorti. Ils étaient affublés d'une fille sans malice qui, à peine le dessert avalé, me demanda d'aller jouer dans ma chambre, ce qui m'embarrassa quelque peu. Sans vraiment savoir à quoi nous allions jouer, je la fis asseoir sur un fauteuil crapaud très laid, le temps d'installer les sublimes variations sur l'électrophone. Puis je m'assis à l'autre bout de la pièce. Quelques minutes étaient à peine écoulées que la donzelle se levait pour regagner la salle à manger, d'un air maussade et dépité. M. Leonhardt venait de me rendre un beau service, dont je regrette encore amèrement de n'avoir pas davantage médité la leçon.

Aussi suis-je bien honteux de ne lui apporter en tombeau, comme on disait au Grand Siècle, que cette petite histoire sans grand intérêt. Mais j'espère que de là-haut, il ne m'en voudra pas trop, lui qui jouait d'une si belle façon d'autrement nobles tombeaux.

Le Streichtrio Berlin rend hommage à la musique française

2012-01-19T11:41:00.000-08:00

Dans le cadre de "Classique en Suites", le Streichtrio Berlin sera à Paris, au Goethe Institut (17 avenue d'Iena) le 14 février prochain pour un très bel hommage à la musique française.

Au programme :

Darius Milhaud (1892-1974) : Sonatine à trois op.221b

Jean Francaix (1912-1997) : Trio à cordes

Gabriel Fauré (1845-1924) : Quatuor avec piano n°1 op.15 (David Lievely, piano)

« Ces trois musiciens forment un trio extrêmement harmonieux car Selditz, Schwartz et Greger fonctionnent selon des rouages parfaitement huilés et se comprennent sans mot dire », écrivait encore récemment le Bonner Rundschau. Tant le public que la presse internationale attestent de la qualité de la présence scénique du Streichtrio Berlin caractérisée par une concentration et une tension intense.

Fondé en 1991 à Berlin et répondant d'abord au nom de Gaede Trio, l'ensemble joue depuis 2006 dans sa formation actuelle qui comprend Thomas Selditz (violon), Felix Schwartz (alto) et Andreas Greger (violoncelle) et s'est rebaptisé Streichtrio Berlin. L’ensemble se produit dans le monde entier, en Allemagne, mais aussi en Angleterre, en Suisse, à la Frick Collection de New York, au Théâtre du Châtelet à Paris et au Musikverein de Vienne.

Récital de Racha Arodaky à la Salle Wagram

2012-01-19T11:33:00.000-08:00

Pour célébrer le succès de son nouveau disque BACH – Partitas 1, 2 & 3, paru chez Air Note,

http://jefopera.blogspot.com/2011/12/racha-joue-bach-et-haendel.html

http://jefopera.blogspot.com/2011/11/classiques-en-suite-accueille-la.html

Racha Arodaki donnera un récital exceptionnel à la Salle WAGRAM, le 4 février à 20 heures. A ne pas manquer.

Hyacinthe Jadin

2012-01-17T11:22:00.000-08:00

En 1760, un certain François Jadin quitte Bruxelles et vient s'installer avec sa famille à Versailles. Il trouve tout de suite à s'employer comme premier basson à la Chapelle Royale, mais comme cela ne paye pas beaucoup, il s'engage aussi comme huissier au service de Madame Victoire, fille de Louis XV.

François a deux fils, Louis-Emmanuel et Hyacinthe, aussi doués l'un que l'autre pour la musique. Lorsqu'éclate la Révolution, les deux frères intègrent la Garde Nationale. En 1793 et 1794, ils participent aux cérémonies célébrant les victoires militaires de la République, aux côtés d'autres grands musiciens de l'époque, Gossec, Pleyel, Lesueur et Kreutzer. Fervent révolutionnaire, Hyacinthe compose un "hymne à l'agriculture" et une "ouverture pour le premier anniversaire de la décapitation du citoyen Capet".

En 1795, âgé d'à peine 20 ans, il est nommé professeur de clavecin au nouveau Conservatoire de musique. Hyacinthe commence à composer, vite et bien, et aborde presque tous les genres -concertos pour piano, musique de chambre, sonates pour piano et même un opéra dont on a perdu la trace.

Tombée pendant deux siècles dans un total oubli, sa musique vient à peine d'être redécouverte. On trouve ainsi quelques sonates pour piano enregistrées par Jean-Claude Pennetier et deux ou trois bricoles, ça et là, publiées par de petites maisons confidentielles.

Mieux servis, ses quatuors à cordes ont été récemment gravés, pour certains d'entre eux, par les Mosaïques et les Cambini - ces derniers viennent d'ailleurs d'en jouer un il y a quelques jours à la Salle Favart.

Il faut dire que ce sont des oeuvres magnifiques, qui affirment assez nettement leur filiation avec Haydn (le premier opus lui est d'ailleurs dédié) mais ouvrent aussi des perspectives vers Beethoven et Mendelssohn. Témoignant d'une surprenante maturité d'écriture, ils se caractérisent par un bel équilibre des parties, une excellente maîtrise du contrepoint et surtout, un goût prononcé pour le chromatisme et les enchainements harmoniques inattendus.

Tout cela traduit une forte personnalité et un style bien marqué qui semblent annoncer de grandes choses. Mais malheureusement, la maladie fait déjà son chemin et Hyacinthe, épuisé par la tuberculose, meurt en 1800 dans la plus grande pauvreté. Comme celles de Mozart, Schubert ou Bellini, sa courte vie semble n'avoir été qu'une course contre le temps.

J'ai cherché en vain les quatuors sur Youtube. En revanche, on peut aller y écouter plusieurs trios qu'un amateur discret et érudit a judicieusement mis en ligne :

Sandor Konya

2012-01-15T01:17:00.000-08:00

Il fût sans doute le plus beau Lohengrin de tous les temps. Sa voix puissante à la fois chaude et juvénile épousait le rôle à la perfection. Né en Hongrie en 1923, Sandor Konya s'est éteint il y a dix ans, sous le soleil d'Ibiza.

S'il a laissé peu d'enregistrements, il a pourtant beaucoup chanté, pas seulement Lohengrin mais aussi Parsifal, Erik, Walther, Max dans le Freischütz, ainsi que Don Carlos, Ricardo, Radames, Cavaradossi, Pinkerton et Calaf.

Fidèle au Met pendant 14 saisons, Sandor Konya fût à plusieurs reprises le compagnon de scène de Régine Crespin, notamment dans Lohengrin en 1964 et Tosca un an plus tard.

La vidéo un peu kitsch qui suit nous le fait entendre dans l'air de la fin du 3ème acte, où le héros révèle qui il est, Lohengrin, le fils de Parsifal. Konya a un peu perdu de ses moyens, et il faudrait plutôt l'écouter dans l'enregistrement capté à Bayreuth en 1958, sous la direction d'André Cluytens -avec Leonie Rysanek, Astrid Varnay et Ernest Blanc. Mais quand même..... On a peut-être chanté Lohengrin aussi bien, avant ou après. Mieux, j'en doute.

La petite phrase de Proust

2012-01-07T11:06:00.000-08:00

Intitulé "Proust musicien", le bel album que vient d'éditer Decca présente en alternance des extraits d'oeuvres de compositeurs ayant inspiré Marcel Proust dans la création du personnage de Vinteuil (Fauré, Debussy, Franck, Reynaldo Hahn et Saint-Saëns) et des passages de La recherche du temps perdu lus par des acteurs célèbres (Romane Bohringer, Michael Lonsdale et Didier Sandre).

On y écoute notamment ce passage célèbre, que je trouve si beau, dans lequel Proust nous explique que la musique, bien plus qu'un simple assemblage de sons, est un moyen de connaissance, un royaume merveilleux dont l'exploration permet d'approcher et peut-être de redécouvrir le langage absolu et universel, antérieur à la multiplication des langues :

De même que certains êtres sont les derniers témoins d'une forme de vie que la nature a abandonnée, je me demande si la musique n'était pas l'exemple unique de ce qu'aurait pu être - s'il n'y avait pas eu l'invention du langage, la formation des mots, l'analyse des idées, la communication des âmes. Elle est comme une possibilité qui n'a pas eu de suite ; l'humanité s'est engagée dans d'autres voies, celles du langage parlé et écrit. Mais ce retour à l'inanalysé était si enivrant, qu'au sortir de ce Paradis, le contact des êtres plus ou moins intelligents me semblait d'une insignifiance extraordinaire. Qu'étaient leurs paroles à côté de la céleste phrase musicale avec laquelle je venais de m'entretenir ? J'étais vraiment comme un ange déchu des ivresses du Paradis.

On a beaucoup et longtemps cherché où se cachait la "céleste phrase" qui émouvait tant Swann et Odette. Il y a autant de réponses que de spécialistes et d'amoureux de Proust bien sûr. Alors, à chacun sa petite phrase :

Au Concert Spirituel

2012-01-07T10:13:00.000-08:00

Après Fra Diavolo et L’Amant Jaloux, Jérémie Rhorer et le Cercle de l’Harmonie ont retrouvé avant-hier la scène de la Salle Favart pour un concert somptueux intitulé "Naissance de la symphonie".

De la naissance des premières sociétés de concerts au sacre romantique de la symphonie, le programme a présenté un fort beau panorama d'un demi-siècle de créations symphoniques françaises.

Sans doute un peu prisonniers de l'idée que la symphonie, au XVIIIème siècle, est un genre exclusivement allemand et viennois, on ne sait pas toujours que le genre a pris une place grandissante au concert dans la France des années 1750.

Il est vrai que tout est parti des symphonies de Haydn, dont la renommée considérable attire dans son sillage nombre de compositeurs français ou établis à Paris. Ainsi, tout au long du règne de Louis XVI, chaque programme du Concert Spirituel (première institution publique de concerts, fondée en 1715) présente une symphonie de Haydn, accompagnée de son pendant français.

C'est exactement ce que proposait le programme du concert de jeudi, en mettant côte à côte des mouvements de symphonies célèbres de Haydn et de Mozart (symphonies n° 39, 92 Oxford et 83 La poule du premier, 31ème symphonie Paris du second) et des extraits d'oeuvres contemporaines mais beaucoup moins -voire pas du tout- connues de Leduc, Gossec, Hérold et Rigel.

Avec une pincée de Cherubini (la pétulante ouverture de Lodoïska) et un très émouvant ballet des Ombres Heureuses extrait d'Orphée et Eurydice de Gluck, le concert de jeudi a épousé la perfection. Il sera retransmis par France Musique le 29 février à 20 heures, j'ai déjà bloqué la date.

En attendant, écoutons Jérémie Rhorer et son Cercle de l'Harmonie dans un extrait d'une symphonie en mi bémol majeur de Simon Leduc qui n'a rien à envier à Haydn ou Mozart :

Rameau et les oiseaux

2011-12-21T08:31:00.000-08:00

De Clément Janequin à Olivier Messiaen, les compositeurs se sont souvent intéressés au chant des oiseaux.

Ce n'est certes pas pour combler un manque d'inspiration ou par un goût un peu trivial du pittoresque. C'est plutôt, me semble-t-il, pour traduire le sentiment du bonheur, toucher notre expérience en ouvrant l'écriture musicale sur le réel.

On dit souvent, et je pense que c'est vrai, que la musique est de tous les arts celui qui est le plus abstrait, le plus éloigné de la réalité. Car la littérature parle des gens, de l'histoire, la peinture fait voir, on entre dans l'architecture et la danse entraîne le corps.

Mais la musique ?

Au fond, ce n'est pas plus un hasard qu'un paradoxe si celui qui a sans doute le mieux utilisé cette "musique des oiseaux" est aussi l'un de ses plus grands théoriciens.

Jean-Philippe Rameau, dans ses écrits, a formalisé des théories très savantes sur l'art musical. Pourtant, lorsqu'il veut exprimer le bonheur simple, le grand homme, poussant d'une main ses savants concepts, ouvre une fenêtre sur le monde et la vie et laisse entrer dans son univers artistique, par un beau matin de printemps, la douceur du soleil et le chant des oiseaux.

Deux pièces pour illustrer cela : Le Rappel des oiseaux et un très bel air du Temple de la Gloire, un opéra-ballet écrit en 1745 sur un livret de Voltaire :

Semiramide, the ultimate opera

2011-12-10T08:26:00.000-08:00

En 1980, au festival d'Aix-en-Provence, le public découvrait médusé un spectacle qui allait marquer pour toute une génération l'entrée définitive de Rossini dans le répertoire scénique contemporain.

Impossible d'oublier ces deux dames passablement opulentes, coiffées l'une d'un invraisemblable casque à plumes, l'autre d'une gigantesque crinière platine, se tenant par la taille amoureusement et roucoulant en faisant des manières. J'avais à l'époque un peu plus de quinze ans et, devant le poste de télévision, je venais de pénétrer, aussi fasciné qu'amusé, dans le monde magique de l'opéra.

Deux monstres sacrés tenaient l'affiche, Montserrat Caballé dans le rôle-titre et Marilyn Horne dans celui d'Arsace. Le jeune Samuel Ramey faisait ses débuts dans le rôle d'Assur. Pier Luigi Pizzi signait décors et mise en scène.

Semiramide raconte l'histoire de la reine de Babylone, qui doit désigner le successeur de son défunt mari. Au moment où elle fait son choix, le spectre de son époux apparaît et ordonne que le nouveau roi tue un homme en guise de sacrifice, devant sa tombe, le soir-même. Le drame se noue lorsque l'élu, qui se nomme Arsace, découvre qu'il est en fait le fils caché de Semiramide et que son destin lui ordonne de sacrifier sa mère, perfide créature qui vient de tuer elle-même son époux, avec la complicité d'un bel officier de la Garde dénommé Assur.

Semiramide est un pur chef-d'oeuvre : pas de récitatifs interminables, action soutenue, ouverture et partie d'orchestre particulièrement soignées, ensembles parfaitement ordonnancés et surtout, une incroyable succession d'airs tous plus beaux les uns que les autres, dans lesquels la pyrotechnie vocale atteint des sommets.

Dans cette production mythique du festival d'Aix, décors et personnages sont traités comme un matériau unique. Même blancheur immaculée et surtout même vocabulaire décoratif pour les murs et les armures, les robes et les escaliers, les perruques, les casques, les coiffes à plumes. Comme suspendus dans un monde onirique, les chanteurs évoluent sur des passerelles, au milieu d'objets bizarres, plus ou moins antiquisants. Dans son compte rendu pour la revue Diapason, Dominique Fernandez décrivit les personnages comme des robots surréels ôtant tout soupçon de ridicule aux évolutions des deux plantureuses prime donne tombées d'une autre planète pour nous révéler la musique des sphères.

La production -qui mériterait d'être enfin éditée en DVD- allait être reprise à Paris, San Francisco, Gênes et Turin, pour culminer à Venise, à l'occasion des célébrations rossiniennes de 1992. Venise, là où l'opéra avait été créé en 1823. Joli retour ces choses.

Ce qui me frappe encore aujourd'hui, en revoyant les maigres extraits accessibles sur le web, c'est le triomphe de l'artifice poussé à son extrême : musique, action, livret, décors, tout semble évoluer de façon autonome. Et pourtant, tout fonctionne merveilleusement bien. Loin de pâtir de ces contradictions apparentes, la beauté et l'émotion semblent au contraire en naître.

Ainsi, pour la scène de descente au tombeau, Rossini a écrit une musique sautillante qui semble inviter davantage à la chasse aux papillons qu'à une visite aux défunts. Pourtant, on y croit, la mayonnaise prend comme on dit. Et si les divines roucoulades qui jaillissent des gorges plantureuses chantent aussi bien la colère que le désespoir, la joie que la tristesse, la splendeur mélodique et vocale nous emmène dans les nuages, loin, très loin.

La production de Pizzi montre merveilleusement bien que Semiramide est un point de non-retour dans l'histoire de l'opera seria, ou plutôt un point d'orgue, qui vient fermer en apothéose l'extravagante aventure baroque. Un commentateur américain a qualifié Semiramide d' ultimate opera. C'est tout à fait cela.

Racha joue Bach et Haendel

2011-12-07T07:20:00.000-08:00

Récital de Racha Arodaky, hier soir, au Goethe Institut, dans le cadre de "Classiques en suites". Atmosphère chaleureuse et bon enfant mais la salle est rapidement comble et on refuse du monde.

En écho à deux de ses récents enregistrements, Racha nous propose un programme Haendel, Bach et Rameau. Elle ouvre son récital par quelques mots de présentation pour nous rappeler que ces trois génies sont presque totalement contemporains : Bach et Haendel sont nés en 1685, Rameau en 1683.

Contemporains mais bien différents, par leur parcours, leur sensibilité et leur style, même s'il leur arrive parfois de lorgner par dessus l'épaule du voisin pour lui piquer une jolie mélodie...

Différents mais certainement pas ennemis. La jeune pianiste rappelle fort justement qu'il est absurde de les opposer tant ils se complètent et se répondent, dans l'amour de la musique.

Le jeu de Racha Arodaky est un pur ravissement, précis, virtuose bien sûr, mais aussi très délicat, d'une grande et belle expressivité. Ses mouvements lents sont de longues méditations attendries et voluptueuses qui invitent à l'abandon. Comme ce sublime largo de Vivaldi transcrit par Bach : donné en bis hier soir, c'est aussi lui qui ouvre le nouveau disque de Racha consacré à Bach, récital magnifique qui comprend les trois premières partitas et quelques pièces isolées.

Avant Bach, Racha Arodaky a enregistré des CD consacrés à Mendelssohn, Scriabine, Scarlatti et Haendel, dont voici la célèbre Sarabande :

Bel Canto à Marseille

2011-11-26T07:26:00.000-08:00

Dès que je franchis la porte de l'Opéra de Marseille, je me sens bien. La salle 1920 est vieillotte et cosy juste ce qu'il faut. Une charmante ouvreuse prend mon billet, tapote légèrement le siège où je m'installe et me souhaite, avec un beau sourire, une excellente soirée.

Ah, on n'est pas ici dans un théâtre privé de Paris où, à peine entrés, vous êtes assaillis par une harpie fardée et nauséabonde qui vous aboie dessus pour réclamer le pourboire. A Marseille, ma belle ouvreuse fait la bise aux spectateurs, demande des nouvelles du petit, pose la main sur l'épaule d'un vieux monsieur tout juste sorti de la Timone pour savoir comment s'est déroulée son opération.

Si l'opéra est aussi chaleureux à Marseille, c'est en partie parce qu'il y est encore populaire -et aussi abordable, ce qui ne gâte rien. Le public aime les belles voix, connait admirablement le répertoire et, ce qui est drôle et finalement plein de bon sens, semble se balancer de la mise en scène. D'ailleurs, les soirs où il n'y en a pas, comme avant-hier, personne ne s'en plaint. Bien au contraire : à ma droite, une vieille dame rigolote en robe froufroutante à col de vison, me dit avec l'accent : "la mise en scène, c'est comme la feuille de salade avé le bifteck ou la prostate de mon époux, ça ne sert pas à grand chose !". Je pars dans un grand éclat de rire et lui dis qu'elle a bien raison.

L'opéra, c'est bien sûr avant tout une histoire de voix. Et avant-hier, la grande voix avait un nom : Mariella Devia. Très grande soprano, au timbre clair et solaire, agile autant dans les vocalises que dans les pianissimos, puissante mais toujours contenue, la Devia maîtrise merveilleusement son art, dans ce répertoire qui est le sien. Le public, qui la connait et l'aime, lui réserve un tonnerre d'applaudissements et lui jette des fleurs.

Le Roberto Devereux de Donizetti, qui était proposé en version de concert, n'est finalement pas très connu, tant au disque qu'à la scène. C'est bien dommage car la partition est superbe, du début à la fin. Plusieurs airs sont même de véritables sommets du Bel Canto.

Plus ou moins dirigé par un chef dansant, l'orchestre accompagne honnêtement les chanteurs. Un peu plus de précision dans les attaques et davantage de vigeur dramatique n'auraient pas été malvenues, mais rien de bien grave. Les rôles masculins sont dévolus à deux chanteurs italiens, également très à l'aise dans ce répertoire, le ténor Stefano Secco (Roberto) et le baryton Fabio Maria Capitanucci (duc de Nottingham). Et Uria Monzon, pour une fois, n'a pas trop poussé la sono et le vibrato. Ouf !

Classiques en suite accueille la pianiste Racha Arodaky

2011-11-22T02:18:00.000-08:00

Mardi dernier, très beau concert de musique de chambre au Goethe Institut : le Wiener Klaviertrio, excellente formation dont la discographie est déjà abondante (http://www.viennapianotrio.com/) a interprété le trio Hob. 29 de Haydn, des extraits du trio opus 65 de Dvorak et surtout le trio en la mineur de Ravel, oeuvre magnifique que j'ai déjà évoquée sur ce blog à propos de son curieux second mouvement, le pantoum (http://jefopera.blogspot.com/2011/08/pantoum.html).

Ce concert a été donné dans le cadre de "Classiques en suite", cycle de concerts organisé par François Segré, directeur de la société Codaex.

Créée en 2001, Codaex est un acteur de premier plan de la distribution de disques classiques en France. L'entreprise représente en effet une cinquantaine de labels (notamment BIS, CPO, PentaTone, Dynamic pour le disque, Opus Arte pour les DVD d'opéra). Plusieurs sont très actifs, comme l'italien Dynamic ou le suédois BIS, riche de quelques 2 000 références. A l'inverse, certains petits labels français se limitent à 2 ou 3 titres.

Au total, Codaex distribue chaque mois sur le marché français une centaine de nouveautés discographiques, ce qui est considérable. Véritable caverne d'Ali Baba des mélomanes et discophiles, le catalogue est riche de plus de 15 000 références. De quoi combler les collectionneurs et les amateurs les plus exigeants.

Le distributeur publie une revue, Péché de classique, qui présente et commente ses nouveautés. Elle est librement téléchargeable à l'adresse suivante : http://www.codaex.com/fr-info.html

Souhaitant faire connaître les interprètes dont il distribue les enregistrements, François Segré a eu l'excellente idée d'organiser des concerts réguliers. Comme Codaex distribue pas mal de labels allemands, tels que CPO, MDG, Oehms, Avi Music ou Myrios, le Goethe Institut a naturellement proposé son hospitalité, dans sa jolie salle de l'avenue d'Iena.

Le 6 décembre, à 20 heures, Classiques en suite accueille une très grande artiste, la pianiste Racha Arodaky, pour un récital Bach, Haendel et Rameau.

Française d'orgine syrienne, Racha Arodaky étudie au CNSM de Paris dans la classe de Dominique Merlet et obtient le 1er prix du conservatoire à l’âge de 16 ans. A 19 ans elle part étudier au Conservatoire Tchaïkovski de Moscou, dans la classe de Yevgueni Malinine. De retour à Paris elle se présente au concours Yehudi Menuhin et devient lauréate de sa Fondation. Sa rencontre avec Murray Perahia, dont elle est pendant plusieurs années l’une des rares élèves, parachève son parcours. Depuis 2006, Racha Arodaky est directrice artistique du festival de piano « Musique à la cour » du Château de Solliès-Pont dans le Var.

Ses enregistrements comportent des récitals Scarlatti et Scriabine (ZigZag Territoires), les romances sans paroles de Mendelssohn (BNL) et les suites pour clavier de Haendel (AirNote) dont elle nous parle dans cette émission de France 24 :

Afin de rester indépendante, Racha Arodaky autoproduit ses disques, notamment par souscription sur Facebook. Le soutien de Codaex dans leur distribution est bien évidemment un atout précieux pour la promotion de ces enregistrements, tous ovationnés par la critique. Tout récemment, elle vient de faire paraître son interprétation de trois partitas de Jean-Sebastien Bach (AirNote). Nous en reparlerons rapidement.

Pour le concert du 6 décembre, renseignements sur le site du Goethe Institut : http://www.goethe.de/ins/fr/par/frindex.htm

L'opéra mal-aimé de Bellini

2011-11-15T00:17:00.000-08:00

I Capuleti et I Montecchi est un peu l'opéra mal-aimé de Bellini. Reprenons les griefs qui lui ont été adressés et tentons de les faire tomber.

Un livret déroutant : pas de coup de foudre, pas de scène du balcon ni double duel fatal, encore moins de mariage secret. Les amants de Vérone n'ont même aucun duo d'amour, ce qui est un comble me direz-vous.

En réalité, le livret d'I Capuleti e I Montecchi n'est pas adapté de Shakespeare. Car Felice Romani, son auteur, est retourné aux sources italiennes dans lesquelles le dramaturge anglais a puisé, notamment une nouvelle de Matteo Bandello (1554) qui nous plonge dans le contexte politique de l'intrigue, marqué par les combats interminables des Guelfes et des Gibelins. Combats au sein desquels les amours de Romeo et de Juliette ne sont qu'un épisode assez anecdotique.

Du matériel de réemploi : sur le plan musical, on a reproché à Bellini d'avoir cédé à la facilité en reprenant dans I Capuleti une dizaine de numéros de Zaira, son précédent opéra, qui avait été un four.

Convaincu de la qualité de sa musique, Bellini voulait en fait lui donner une seconde chance. Et il a bien eu raison : phrases syncopées, cabalettes énergiques, mélopées envoûtantes qui s'étirent à l'infini.... la partition est du meilleur Bellini et il aurait été bien dommage de la laisser dormir aux archives.

Un rôle travesti incongru : le rôle de Roméo est chanté par une mezzo et non par un homme. On a écrit que Bellini avait fait ce choix "archaïque" en raison de la troupe de chanteurs qu'il avait sous la main, où les hommes ne brillaient pas.

Mais il y a une autre explication, beaucoup plus intéressante que ces considérations d'intendance pas très romantiques. Très conscient de ce qu'il faisait, Bellini a sans doute voulu, en le désexualisant, montrer l'amour idéal, sublime, de Roméo et de Juliette mais aussi l'immense isolement des deux adolescents, dans un monde masculin, fait de violence et de lutte pour le pouvoir, où ni les femmes ni les sentiments n'ont beaucoup d'importance. Bellini renforce ce dernier élément en faisant chanter tous les autres rôles par des hommes, y compris dans les choeurs (ce qui montre au passage que ses chanteurs n'étaient peut-être pas tous aussi mauvais que cela).

Il y a heureusement des amateurs éclairés pour apprécier à sa juste valeur cet opéra magnifique. En premier lieu desquels Richard Wagner, qu'on ne peut suspecter d'excessive bienveillance. Wagner découvre I Capuleti en 1834, est d'emblée conquis et le dirige un an plus tard. Dans ses mémoires, il explique même que c'est en découvrant les longs et voluptueux arias de Bellini que lui est née l'idée de la mélodie infinie. De Roméo à Tristan, la mélodie infinie, sublime chant d'amour et de mort.

Il y a quatre ans, j'ai eu le chance de le voir à Bastille dans une production magnifique. Je n'avais pas encore ouvert ce blog. Mais je crois qu'il n'est jamais trop tard pour partager un coup de coeur.

Joyce DiDonato chantait Roméo et Anna Netrebko Juliette. Ecoutons un instant ces deux grandes artistes :

Donizetti et la duchesse excentrique

2011-11-09T06:58:00.000-08:00

Elle n'est pas seulement l'aristocrate la plus titrée au monde, elle est aussi l'une des plus excentriques. Maria Del Rosario Cayetana Fitz-James Stuart, Grande d'Espagne et 18ème duchesse d'Albe, titulaire de 7 duchés, 19 marquisats, 23 comtés, 1 vicomté, 1 baronnie et d’une multitude d'autres titres honorifiques, vient de convoler en troisièmes noces, le mois dernier, à Séville. A 85 ans, elle s’est unie à Alfonso Diez Carabantes, un jeune et fringant fonctionnaire de 24 ans son cadet.

Comme les précédents, le troisième mariage de la duchesse fut enveloppé d'un joli parfum de scandale : le premier, en 1947 avec Don Pedro Luis Martinez de Irujo y Artacoz, avait à l'époque été qualifié de "plus cher de l'histoire" et considéré comme ayant jeté un peu d'ombre sur celui de la future reine d’Angleterre, qui eût lieu un mois après. Après le décès de son époux en 1972, elle porte son dévolu sur un jésuite défroqué, Jesus Aguirre y Ortiz de Zárate (décédé en 2001). Nouveau scandale.

La presse espagnole a révélé que le roi Juan Carlos a téléphoné à l'octogénaire déjantée pour lui faire part de son opposition à ce troisième mariage. Les héritiers de la duchesse n’étaient pas non plus vraiment enthousiastes à l’idée de voir menacé leur considérable héritage : quelques 30 000 hectares de terres subventionnées par la politique agricole commune, une vingtaine de palais et propriétés remplis d’objets d’art et de pièces de grande valeur, une première édition de Don Quichotte, la première carte de l’Amérique de Christophe Colomb, le testament de Ferdinand le catholique et des œuvres de Goya, Velasquez, Rubens, Rembrandt, Picasso, Renoir ou du Titien en veux tu en voilà. Compliqué à évaluer - entre 600 millions et 3,5 milliards, mais sans doute l’un des plus importants d’Europe.

Pour calmer tout le monde et faire la fête l’esprit tranquille, la duchesse a distribué la majeure partie de ses biens à ses enfants et petits-enfants. Et les reproches du roi, elle s'en balance complètement. Lui et la reine d'Angleterre, dont les titres sont moins anciens que ceux de la frétillante octogénaire, lui doivent d'ailleurs la révérence. Et la duchesse peut continuer à traverser l’Espagne du nord au sud sans jamais quitter ses terres, entrer à cheval dans la cathédrale de Séville et ne pas s'agenouiller devant le Pape.

Les images des magazines people nous l'ont montrée lançant son bouquet de fleurs dans la foule, dansant un flamenco endiablé pieds nus seule sur la piste et défiler devant les badauds en ondulant comme un top model.

En attendant qu’un librettiste un peu facétieux s’empare de la vie de la duchesse, on peut se replonger dans l’opéra que Donizetti a composé sur un livret inspiré de la vie de son lointain et cruel ancêtre : Le Duc d’Albe se déroule à Bruxelles, aux temps tragiques de l’occupation espagnole. Tyran sanguinaire nommé par Charles Quint, le duc vient de faire exécuter le comte d’Egmont. Sa fille Hélène veut venger son père et se porte à la tête de la résistance, en recevant l’appui de son bien-aimé, le jeune Henri de Bruges. Mais celui-ci s'avère être le propre fils du duc d’Albe….

Donizetti a composé Le Duc d'Albe pour l’Opéra de Paris, mais ne l’a jamais achevé. Un compositeur italien a terminé la partition en 1882 et c’est dans cette version que l’opéra est généralement présenté, ce qui reste très rare car l’œuvre est quasiment tombée aux oubliettes. Un peu remanié, le livret du Duc d’Albe a été plus ou moins réutilisé par Verdi dans ses Vêpres Siciliennes.

Ecoutons Rolando Villazon dans un extrait (Concert donné au Liceu de Barcelone) :

Pelléas à Moscou

2011-11-06T09:29:00.000-08:00

Le film de Philippe Béziat, Pelléas et Mélisande, le chant des aveugles, relate les coulisses de la première, à Moscou, de l'opéra de Debussy. C'était en 2007, un peu plus de 100 ans après la création parisienne.

Au-delà du documentaire, le film laisse une large part aux extraits de la représentation et donne souvent la parole aux chanteurs et musiciens. C’est d’autant plus intéressant que pour beaucoup d’artistes russes, la musique de Debussy est une vraie découverte.

Certains sont enthousiastes, comme cet altiste, qui compare la musique de Debussy aux mosaïques lumineuses et colorées qu’il voyait, enfant, au fond de son kaléidoscope. Moins convaincu, un grand et large barbu à la figure d’archimandrite s’avoue décontenancé d'interpréter une musique qui ne lui permet pas d’offrir au public tout ce que sa voix de basse recèle de puissance et d’expressivité. Et puis cette belle scène, avec une très vieille dame, distinguée et joliment maquillée, qui évoque avec élégance sa découverte des impressionnistes français au cours d’une exposition organisée à Moscou dans les années 60.

A la baguette, Marc Minkovsky, nous donne une leçon de musique exemplaire sur l’art de Debussy. Tout cela fait aisément passer les sentences obscures et pontifiantes d'Olivier Py, dont la mise en scène, une fois de plus, ne me convainct guère.

Un conseil toutefois avant de regarder le film : réviser son Pelléas, sinon, tout risque de vous paraître un peu ésotérique et confus.

Gay librettiste

2011-11-06T03:42:00.000-08:00

Né en 1685, élevé par son oncle suite à la perte de ses parents, John Gay rejoint Londres après ses études de grammaire et devient apprenti aux côtés d'un mercier en soieries. Mais son coeur et son esprit n'en ont que pour la littérature ; en 1708, il publie un premier poème "A la louange du vin", puis six pastorales dépeignant la vie rurale en Angleterre.

En 1714, Gay est nommé secrétaire de l'ambassadeur britannique à la cour de Hanovre. La mort de la reine Anne, trois mois plus tard, vient toutefois sonner le glas de sa carrière : le successeur de la reine Anne sur le trône britannique étant justement l'électeur George Ier de Hanovre, l'ambassade perd sa raison d'être et ferme ses portes.

En 1718, Haendel confie à John Gay, pour qu'il l'adapte à la scène londonienne, le livret d'Aci, Galatea e Polifemo, une "sérénade à trois voix" qu'il avait composée quelques années auparavant, en Italie, sur la commande de la duchesse de Sanseverino. Sur la base du texte italien d'origine de Nicola Giuvo, Gay signe un livret tout à fait remarquable dans son dosage de sentiment, de badinage, de comique et de terreur : Acis and Galatea ne quittera plus jamais le répertoire et sera immortalisé au disque par Janet Baker. En voici un petit extrait, dans une récente production de Covent Garden :

Mais c'est avec son chef d'oeuvre, The Beggar's opera (l'opéra des gueux), créé le 29 janvier 1728 sur une musique de Johann Christoph Pepusch, que John Gay connait la renommée.

Dans un esprit nationaliste et anti-italien, Gay collecte et met bout à bout des chansons populaires britanniques et des arias d'opéras italiens, qu'il fait chanter à des mendiants et bandits des bas-fonds londoniens. L'ensemble doit ridiculiser la haute société de l'époque et tourner en dérision son engouement pour l'opéra italien.

Les personnages, notamment le capitaine Macheath et Polly Peachum, ont inspiré Bertolt Brecht et Kurt Weill pour leur Opéra de quat'sous. The Beggar's opera est pourtant tombé dans l'oubli et n'est plus guère représenté de nos jours. Pour en avoir une idée, il faut se reporter à la version cinématographique de Peter Brook, avec Laurence Olivier :

Un beau monument fut élevé à la mémoire de Gay par le Duc et la Duchesse de Queensberry, avec l'épitaphe suivante :

Simple comme un enfant, affectueux et doux,

Homme par ton esprit, au vertueux courroux

Que savais mitiger par ta veine plaisante,

fait pour charmer ton siècle, et par ton âme ardente

Fait pour le fustiger. Restant incorrompu

Même parmi les grands d'un Etat corrompu

Quoique pauvre ; ami sûr, et compagnon facile,

Jamais blâmé vivant, pleuré sur ton argile

Tel ils sont les honneurs qu'à ta vertu l'on rend.

Près des héros ton buste est placé maintenant

A la cendre des Bois se mêle ta poussière,

Mais ce sont les regrets que tu laisses sur terre

Qui plus que ces honneurs sont un hommage vrai,

Quand les plus nobles cœurs disent "Ici gît Gay".

Duel avec Horowitz

2011-11-05T10:54:00.000-07:00

"Ecrire sur la musique c'est comme danser sur de l'architecture". Si j'ai oublié l'auteur de ce jugement sans appel qui devrait me conduire à fermer illico ce blog, je sais bien qu'il est difficile, et sans doute impossible, d'écrire des choses justes et originales sur la musique.

La musique n'a besoin de rien pour émouvoir car elle est bien plus puissante que les autres formes d'expression artistique.

Si on se limite à des commentaires, on risque au pire la platitude mais quand on prend la musique comme sujet de roman, ça peut rapidement tourner à la catastrophe.

Rien de cela dans le joli roman d'Alexis Salatko, "Horowitz et mon père", bien au contraire. C'est un petit récit plein de vie, de tendresse et d'humour, très bien construit, dont on tourne fièvreusement les pages, comme un bon polar. Deux heures m'ont suffi le week-end dernier mais je ne l'ai pas lâché une minute. Fait rare.

De quoi s'agit-il ?

Juste avant la révolution d'Octobre, deux jeunes prodiges du piano, Dimitri Radzanov et un certain Vladimir Horowitz s'affrontent en duel au piano au conservatoire de Kiev. Chassés par les Bolcheviks, ils fuient l'Ukraine et ne se reverront plus. Horowitz émigre aux Etats-Unis où il rencontre vite fortune et gloire. Radzanov, quant à lui, après avoir servi dans la garde blanche, échoue en banlieue parisienne avec sa mère. Il entre comme chimiste aux usines Pathé Marconi à Chatou où, ironie du sort, il va fabriquer des disques pour son vieux rival.

C'est juste le début, car il va se passer plein de choses, la petite histoire va croiser la grande, des personnages pittoresques vont entrer en scène, il y aura des rires, des pleurs et des cris. Mais au delà de tout cela, le beau portrait d'un homme qui, pour l'amour de sa femme, renonce à la gloire à laquelle devait le porter son génie du piano.

La musique est là, bien sûr. Personnage essentiel du livre, qui résonne à chaque page mais sur laquelle Salatko, qui a tout compris, n'écrit presque rien. Car écrire sur la musique.....

Povero Roberto

2011-11-01T04:08:00.001-07:00

Cette année, pas d'abonnement à l'Opéra de Paris. Certes, le programme ne me plaisait que moyennement, trop de reprises sans doute. Mais surtout, cette succession de déplacements professionnels, depuis un an, m'empêchent de programmer quoi que ce soit. Le côté positif de la chose, c'est la découverte des scènes de province, avec quelques belles surprises, à Lille notamment.

Dans deux semaines, Roberto Devereux de Donizetti, à Marseille. Opéra rarement monté et peu enregistré. Une seule belle version à ma connaissance, celle de Montserrat Caballé, en 1972, à La Fenice. Mais mal captée, avec plein de bruits de fond assez désagréables. Et pourtant incomparable, car il suffit que Montserrat commence à chanter pour que la magie opère.

Lorsque j'ai acheté la place sur le site internet de l'Opéra de Marseille, je n'ai pas lu le programme avec attention, sans doute un peu pressé ou peut être trop excité à l'idée d'aller bientôt écouter l'un des meilleurs opéras de Donizetti. Mon enthousiasme aurait certainement été refroidi si j'avais vu que l'opéra allait être donné en version de concert, ce qui n'est pas finalement pas si grave, et surtout que le rôle de Sara allait être chanté par la Uria Monzon, ce qui l'est bien davantage. Bon, heureusement, Mariella Devia sera aussi sur scène pour chanter Elisabeth......

Tragédiennes, troisième volet

2011-11-01T01:00:00.000-07:00

Au programme du troisième volet de Tragédiennes, on retrouve les Didon, Médée, Andromaque et Iphigénie, déjà présentes dans les premiers volets, mais cette fois coulées dans la rhétorique musicale plus ample de l'opéra romantique.

Comme les précédents, ce récital combine avec bonheur des extraits d'opéras célèbres (Les Troyens de Berlioz, Don Carlos de Verdi, Hérodiade de Massenet) et quelques perles oubliées qui nous font explorer les marges du répertoire, ces interstices un peu mystérieux qui montrent que l'histoire de la musique est bien plus souvent marquée par l'évolution que par la rupture.

Ainsi les inséparables Méhul et Gossec, encore mentionnés dans les manuels d'histoire de la musique au chapitre Révolution Française, mais dont on ne joue plus aucune partition. Du premier, Véronique Gens nous fait découvrir, extrait de son Ariodante, un très bel air, particulièrement expressif, qui semble annoncer la cavatine à l'italienne. Du Thésée du second, la soprano interprète un air de fureur tout à fait saisissant. L'un comme l'autre nous font encore entendre Gluck mais quelque chose semble déjà annoncer Berlioz ou, plutôt, laisse à penser que l'auteur des Troyens devait certainement très bien connaître ce répertoire.

De Saint-Saens, dont l'oeuvre lyrique a quasi intégralement sombré dans l'oubli, Véronique Gens ressucite une belle mélodie, la plainte de Catherine d'Aragon, extrait de son Henry VIII. Le récital nous fait aussi découvrir une page assez surprenante d'un certain Auguste Mermet, l'air d'Alde, tiré de son opéra Roland de Roncevaux (1864) ; là encore, sont réunis tous les ingrédients du grand air romantique, récitatif agité, mélodie cantabile, orage, cabalette, coda et tutti à grand fracas.

Noblesse innée, diction parfaite, souffle tragique, beauté de la ligne vocale, les amoureux de Véronique Gens succomberont une fois de plus à son art magnifique, qui sert à la perfection ce chant français que l'on dit si particulier. Mais on la découvre ici plus sombre, pliant son soprano dramatique au registre plus grave des divas légendaires qui assurèrent la création de ces rôles.

Toujours mené avec fougue par Jean-Christophe Spinosi, l'orchestre des Talens Lyriques trouve facilement la fièvre romantique de ce répertoire. On peut juste regretter que dans le feu de l'action, les musiciens couvrent parfois la chanteuse et que certaines attaques et traits en doubles croches manquent un peu de netteté.

Le récital de Véronique Gens se termine par le grand air d'Elisabeth de Don Carlos "Toi qui sus le néant des grandeurs de ce monde". Les plus grandes l'ont toutes chanté, le plus souvent dans sa version italienne. Mais je ne l'avais encore jamais entendu interprété d'une façon aussi bouleversante.

Sur les traces de la reine Didon

2011-10-24T09:29:00.000-07:00

Après Carthage l'an dernier, Tyr cette année. Les hasards de mes déplacements professionnels semblent vouloir me conduire sur les traces de la reine Didon.

Didon était une princesse phénicienne, première-née du roi de Tyr. Après l'assassinat par son frère Pygmalion de son mari Sychée, Didon, sans doute pour éviter une guerre civile, quitte Tyr avec une suite nombreuse et s'embarque pour un long voyage.

Après une étape sur l'île de Chypre, Didon débarque sur les côtes de l'actuelle Tunisie, vers 814 av. J.-C. Elle choisit un endroit où fonder une nouvelle capitale pour le peuple phénicien, ce sera Carthage.

Et puis elle rencontre Enée, et tout le monde connait l'histoire tragique de leurs amours, qui inspira poètes, librettistes et compositeurs d'opéra.

Ecoutons quelques belles incarnations de la reine Didon :

D'abord Régine Crespin dans Les Troyens de Berlioz :

Moins connue, la Didon de Piccini, admirablement interprétée ici par Véronique Gens :

Et puis, bien sûr, la sublime mort de Didon dans l'opéra de Purcell, ici par Susan Graham :

Un inédit de Richter récemment publié

2011-10-24T07:17:00.000-07:00

Il était sans conteste l'un des plus grands pianistes du siècle dernier.

Sviatoslav Richter, mort à Moscou en 1997, avait un large répertoire, Bach, Beethoven, Chopin, Ravel, Rachmaninov et Prokofiev dont il créa plusieurs oeuvres.

Les éditions russes Melodia viennent d'éditer un enregistrement retrouvé récemment dans les archives du Conservatoire de Moscou, un récital exceptionnel, pris sur le vif le 21 avril 1969, au cours duquel Richter joua le Premier Livre du Clavier Bien Tempéré.

Superbe et bouleversante vision d'un génie au sommet de son art, cette interprétation est à la fois majestueuse et pleine de vie, spirituelle et tragique, bref, à mille lieues de certaines exécutions mécaniques que l'on ne citera pas.

La Vénus Noire

2011-10-15T09:49:00.000-07:00

Née en 1937 à Saint-Louis (Missouri), Grace Bumbry étudia à Boston mais c'est à Chicago, en 1955, que sa vie bascule, lorsqu'elle est remarquée par Lotte Lehmann au cours d'une masterclass. Très impressionnée par la performance de Grace, la grande chanteuse allemande l'invite sur le champ à la rejoindre dans son école de Santa Barbara. Encore quelques années de perfectionnement auprès de Lotte et les grands rôles s'enchainent : Carmen à Paris en 1960, Dalila et Lady Macbeth à Bâle un an plus tard.

En 1961, Grace est invitée à Bayreuth pour chanter Vénus, dans Tannhäuser. Prestation historique pour celle qui fût la première artiste de couleur à monter sur scène. Grace brûle la scène par son chant puissant et sensuel. La "Vénus Noire" vient de naître.

S'appuyant d'abord sur les grands rôles de mezzo (Azucena, Eboli, Carmen, Dalila, etc.), son répertoire, fait assez rare, s'est peu à peu orienté, à partir des années 70, vers les rôles de soprano dramatique, notamment Abigail, Gioconda et Tosca. Elle aborda même Norma en 1977, à Martina Franca et Turandot à Covent Garden en 1993.

Grace a réservé à la France ses dernières apparitions sur scène, Clytemnestre dans Elektra de Strauss, à Lyon, en 1997 et un beau récital au Châtelet en 2007 à la mémoire de Lotte Lehmann. Elle continue aujourd'hui à enseigner, notamment à Berlin où elle vient de fonder la «Grace Bumbry Vocal and Opera Academy».

Ici, à Covent Garden, en 1983, dans le duo de Norma, avec une autre très grande dame, Shirley Verrett :

De la production scénique

2011-10-05T10:11:00.000-07:00

A la lecture des comptes rendus de spectacles, je suis toujours surpris par la place donnée à la mise en scène, au moins la moitié de l'article quand ce n'est pas la quasi totalité.

Déjà, l'expression "mise en scène" comporte une ambiguité : en effet, pour le grand public et les commentateurs, l'idée de mise en scène implique les éléments du décor et les costumes et ne se réduit pas, comme au cinéma, à l'animation du jeu d'acteurs ; parler de "production scénique" me parait déjà plus juste.

Relisons par exemple les innombrables commentaires incendiaires sur la récente production du Ring à Bastille, cloué au pilori par à peu près tout le monde au motif que la mise en scène est grotesque (ce qui est en partie vrai). Pourtant, les chanteurs étaient pour la plupart remarquables et la direction de Jordan d'une clarté magnifique.

A l'inverse, on ne cesse de louer la production de Chéreau à Bayreuth en 1976, alors que la direction de Boulez était sèche et monotone et que les chanteurs, pâles fantômes d'un âge d'or révolu, étaient au mieux médiocres, au pire insupportables. Dans le cortège de petits marquis qui se pâment au seul nom de Chéééééééééreau, en est-il un seul qui se souvient de qui chantait le rôle de Siegmund ou celui d'Alberich ?

Il y a quelques mois, avant son limogeage de l'Odéon, Olivier Py déclarait dans une interview au Figaro : "je suis un serviteur : je ne suis pas d’accord avec la conception allemande qui établit une égalité hiérarchique entre Mozart et le metteur en scène." Sentence surprenante venant de lui mais ô combien juste.

La dérive remonte aux années 70, période au cours de laquelle la production scénique, notamment en Allemagne, s'est en quelque sorte libérée de l'oeuvre : le producteur scénique ne se "limite" plus à illustrer, voire expliciter les idées du compositeur et du librettiste mais se sert de l'opéra pour présenter ses "idées"à lui, parfois ses fantasmes et le plus souvent sa vacuité, la plupart du temps dans une dérive narcissique et un esprit de provocation qui suintent tellement le déjà vu qu'ils en sont devenus un nouvel académisme.

En paraphrasant Verdi qui voulait "revenir à l'Antique", on pourrait déjà "retourner au livret, ce sera un progrès".

Artur Schnabel et Beethoven

2011-09-27T07:54:00.000-07:00

De maîtres à élèves, une ligne continue relie Artur Schnabel à Beethoven : le professeur du pianiste, Leschetizky, avait été l'élève de Czerny, qui, comme on le sait, était lui même celui de Beethoven.

Auteur de sa propre édition des partitions, Schnabel joua l'intégrale des sonates à Berlin, en 1927, à l'occasion du centième anniversaire de la disparition du compositeur. Au cours des années 30, il grava patiemment le cycle, à Londres, dans les studios d'Abbey Road. Un monument de 15 volumes, 204 faces de 78 tours, un peu plus de 40 kilos....

Au fil des repiquages, la qualité sonore des enregistrements s'est un peu améliorée et les 40 kilos se sont évaporés. Les sonates sont aujourd'hui sur mon Iphone et me suivent partout.

80 ans après l'enregistrement, le jeu du pianiste autrichien n'a pas pris une ride et s'impose toujours comme un modèle insurpassé d'équilibre, de subtilité et de sensibilité. Le piano de Schnabel est une voix qui souffre, s'énerve, rêve et chante à merveille. Jamais Beethoven n'a paru plus présent que dans ces interprétations de légende. Et jamais un pianiste n'a d'aussi près épousé la vérité.

Jaroussky chante le Requiem de Fauré

2011-09-03T23:08:00.000-07:00

Le CD sort demain, c'est une des belles surprises de la rentrée discographique. Philippe Jaroussky est accompagné par l'Orchestre de Paris, dirigé par Paavo Järvi.

Bornéo

2011-08-31T23:59:00.000-07:00

A Bornéo, vivent les Ibans, qui jadis, furent de redoutables coupeurs de têtes.
Il faut aujourd'hui aller loin dans la forêt pour les rencontrer, dans leurs longues maisons, où ils vous accueillent avec bonne humeur et de multiples rasades de vin de riz.

(Photo : Jean-Laurent Juliéno)

Mais il faut d'abord traverser une jungle pleine de dangers...